Is There a Future for Physical Media Formats?

Dezembro 2, 2016

For decades the joy of home video relied upon physical media: Betamax, VHS, Laserdiscs, DVDs, Blu-rays. One after another, new formats improved not just our experience of “movies”, but also our relationship with them. Cassettes were first bringing us the bare bones: just the film. Eventually they evolved to give us a couple of trailers that we all hated while pressing the fast-forward. Laserdiscs were never as popular as cassettes. They remained a niche product (except in Japan, land of all exceptions) with advantages and drawbacks. Depending on who you ask, the drawbacks were kind of a minor problem: not as portable as cassettes, films being split over several disc sides and (among more) no freeze frame depending on the disc you have and the player you are using. The advantages, however, were amazing: clearly superior sound and image, a non-linear reading system based on disc chapters and (depending on the disc) some extras.

Those advantages changed the way we (who were lucky enough to be able to afford the format) related ourselves to the films. The linear transportation system of the cassettes pretty much made the existence of extras a bit silly, since going back and forth trying to locate extras took too long as we waited for the transport mechanism to move tape from one reel to the other. Rewinding or fast-forwarding was as anti-climax as it could be. Just ask any teenager from 1984 how angry we used to be when we got home from the rental shop only to find out we would have to rewind the whole film in order to start watching it. The rental shops knew it and started imposing fees on customers who were not kind enough to rewind.


Trying to locate one specific extra using rewind and fast-forward would never work. Non-linear chapters changed all that. Just like on the CD, with a Laserdisc we could jump from point A to point Z in seconds… well… if they were on the same disc.

DVDs brought together the best of both worlds: extreme portability, non-linearity, perfect sound and image, lots of space for extras without the need to change sides/discs, great price… and only one caveat: no recording from the TV (which helped prolong the life of VHS for a few more years). With the DVD, extras became a sure thing. The disc space was there and the always-perfect image was indeed perfect for the multiple rewindings and pausings at, for example, Sharon Stone’s megastar-making moment. Thanks to the DVD, something very important and fast was happening: we were spending more time around a film. It was not just the 90-minutes experience anymore: it was the supreme achievement of being truly entertained beyond the film. Suddenly, a new industry was born: the “extras industry”.

At a certain point, we were not buying THE MATRIX (1999) because of the film. We were buying the DVD because those extras were even more interesting than the film we already had seen on theaters. Marketing DVDs became a new art form and even those who could never afford the Laserdisc experience were now being able to see how a scene was made. Suddenly (and ironically) some DVD editions started bringing three, four or more discs just for extras – something Laserdisc never dared to do!

Director’s Cuts, Special Editions, Platinum Editions, Collector’s Editions, all became a staple in every shelf in every home. Plus: we were buying films and not just renting them. The first home video edition of GREMLINS (1984) was released on VHS in late 1985. The price? $79,95 (back then, movies were marketed and  priced for rental shops. It took at least six months until the price dropped to $19,99 for direct sale). At that time, people did not have the urgency of owning a film. Rental was the business. DVDs changed all that. Did home video change or did we? Both.


After a steady sales growth that peaked around 2006, with the digital revolution well under way, disc sales started a steady decline. The same thing had already happened with music CDs years before. Faster internet, the too-easy to find and download movie file, Pirate Bay (and its many smaller incarnations), You Tube and the lawlessness that results from the impossibility of effectively enforcing copyright laws marked the twilight of the DVD. What about Blu-Ray? Ironically, the hi-def format that emerged as the winner after a brief (yet bloody) format war with HD-DVD did not really win anything. By the time it arrived, people were already abandoning paying for contend in favor of piracy. Plus: streaming is now the de facto way most paying consumers want to enjoy home video. Blu-Ray sales numbers never compensated the decline of DVD. As a whole, physical media seems to be going the VHS way.

It seems many of us are regressing to the 80’s when simply buying a film (to own) was an alien concept (and I have always wondered who bought the GREMLINS VHS tape in 1985 for $79,95 to have at home). Well, yes and no. The advent of Video on Demand (VoD) either through set-top boxes or subscription platforms like Netflix or Amazon made something that was not possible in the 80’s: it brought the entire rental shop into our own homes. Or better yet: we now live inside rental shops. Plus: the rentals are free. Well, they are not really free, but they taste that way with a monthly subscription that is very low against all that we can watch.

When living inside the rental shop, the urgency of owning a film is very limited and debatable. There are hundreds of films there just waiting for our finger on the remote. That sheer saturation of always-available content is a disincentive to ownership – especially to that portion of the audience that is too lazy to go buy a disc. And why would they? Most films will only be watched once, anyway.

But physical media is far from dead. Really. What is happening is just an advancement in the sophistication of our relationship with films. To some of us, physical media plays a role that VoD will never replace. With the untouchable, invisible, uncharacteristic, generic, inconsequential, fast, and cheap face of VoD, there is a celebratory dimension to physical media that makes more sense now than it ever did. Physical media is love, homage, Art, dedication, fandom, respectfulness, acknowledgement, and haptic. It has soul, a face, a body, a touch. Holding it on the hand gives one pleasure. Looking at it on the shelf or displayed inside a glass cabinet makes us feel we belong. It puts us in state of admiration, adoration, awe. It brings back memories, feelings, sounds and flavors. It captures our eyes, our desires… us.


What other reason on Earth would drive someone to spend $999,99 on a 31-disc abso-fucking-lutely gorgeous HARRY POTTER box? Or circa $600,00 on the highly collectable Platinum Series Special Extended Edition Collector’s Gift Set of the three LORD OF THE RINGS films? Or the MARVEL CINEMATIC UNIVERSE: PHASE ONE – AVENGERS ASSEMBLED for $505,99? How about $259,99 on the ALIEN ANTHOLOGY EGG PACKING? For the same price you can also get the incredible THE WALKING DEAD: SEASON 2 whose discs come lodged inside a zombie head with a screwdriver stuck in the eye. To put it differently, if you were the person who bought for $2.250,00 on Ebay a replica of the lightsaber used by Obi-Wan Kenobi, would you be satisfied with a computer file of the films? Of course not.


In a way, our relationship with the films we adore (not just love) is reaching new plateaux never imagined before. Today, an 85-inch UHD TV costs over $5.000,00. That same TV will probably be much more affordable in less than three years. Things like High Dynamic Range and Dolby Atmos will also become more and more common in middle class homes. In that context films should speak closer to the ear of many moviegoers who will demand a type of wholeness only physical media can offer.

So physical media is not dead. It has its role inside a home video universe that is changing – from a cheap object into an object of desire for a special type of customer: the fan. There is no need to go to the $100,00+ price point to see that happening. The market is already offering highly desirable editions to those who also love the films but have a more modest spending fire power. For just $79,54 one can buy the DIE HARD collection inside a replica of the Nakatomi Plaza; and for only £19,99 one can get a Big Sleeve Edition of GUARDIANS OF GALAXY that resembles a Laserdisc edition (this is a UK-only edition). It holds a Blu-ray disc, a DVD (no actual Laserdisc here) and five large cards with exclusive key art.


Refusing to die easily, physical media is trying to make an offer you cannot refuse, regardless of how mush money you’ve got. And the studios are making them because, well, they sell and show a profit – otherwise physical media would already be where VHS is today.

The bad news lies elsewhere. In no moment I mentioned that Hungarian-Belgian-Dutch co-production that played at Un Certain Regard in Cannes, three years ago. Or that Argentinian art-house film that played at the IFFR last year. For those films, physical media is kinda dead. They don’t move enough audiences in order to justify the investment needed to turn mere discs into a more desirable object. They will eventually get a release on DVD with a low number of copies. Their audience is rarefied and will probably become more and more so, as those editions naturally fail to reflect the sophistication and care that is more and more in demand by those whose relationship with physical media is also evolving. We have traveled a long distance since the old generic typefaces and templates used in VHS.


The message is very simple: physical media as a celebration works fine for two kinds of films: the classics (where a timeless value is always renewing its viewers and being continuously rediscovered) and the films that have a large fan base (who look at the film as a part of them).

Beyond that, nobody knows. Of course physical media is just one slice of a larger cake. However, the evolution and future of Film favors the works that can adapt and make good use of the here and now. Other films, beware! Their slice lies somewhere else in this mess we call the digital revolution.

How Do You Feel About Remakes?

Novembro 28, 2016

Some people say remakes are a sign of Hollywood’s lack of good ideas. However, film producers have been doing remakes since before there was even a Hollywood. And Hollywood began producing them since it was born. The important thing to retain here is that there is nothing extraordinary about great stories getting a second, third or fourth versions. It just means those stories are that great. Take a look at A STAR IS BORN. It was made three times (1937, 1954, 1976 and another version coming in 2018). Take a look at the cast and you’ll understand why: Judy Garland, Barbra Streisand and soon Lady Gaga. It’s obvious that it’s not a creative problem driving those remakes. It’s the opportunity of bringing a great intellectual property to new audiences.

The horror genre did not arrive late to the party. Just look at DRACULA. It is such a great property that it has been remade (as a major film, that is) at least once every decade. And if you look at Lugosi’s classic of 1931, well, that version had a Spanish language remake as it was being made. DRACULA is a great example. Which version do people prefer? Ask people who grew in different decades and you’ll be surprised. Really, it is a matter of personal taste and affection.



The opportunity of a remake is clear: new (and more popular) stars, a more contemporary setting, better visual effects, better production values, etc. Of course fans of the original GHOSTBUSTERS, THE EVIL DEAD, HALLOWEEN, FRIDAY THE 13th and so many other great horror classics get a taste of disrespect in their mouths when they hear about a remake of the films they have loved all their lives. And that’s very understandable, after all, those films are forever linked to times when we solidified our love for the genre. We love them as part of our youth. They are a part of us. More than that, they are our family.

But even when we question the occasional heavy hand of stupid studio execs making decisions that clearly prove to be misguided (GHOSTBUSTERS comes to mind), it is also clear that the films we love always come up swinging. Remakes rarely touch the originals we love. Instead, they are (for us) an alternate reality we don’t even have to watch if we don’t feel like to. You like some, you hate others.


The version you love is always there on your shelf waiting for you to celebrate it. Pick it up. Admire it. Talk to it. Watch it again and soon you’ll both be laughing like old friends.

So you were – like me – a teen when GHOSTBUSTERS was released in 1984? Well, the version made in 2016 is not for you and me. The jokes are not the same, the visuals are not the same, the spirit is not the same, but here’s the truth: we’re not in 1984. I did not hate the new version. I understood it. And because it wasn’t for me, I was left kind of indifferent to it. Thank God I can enjoy on Blu-ray the version I love.

Some remakes, however, are so far from the original and, yet, made with so much care (for us who loved the original) that it’s hard to find the taste the disrespect. MAD MAX: FURY ROAD (2015) comes to mind: clearly a great film in its own right. In the horror genre, I like the new versions of THE LAST HOUSE ON THE LEFT (2009) and I SPIT ON YOUR GRAVE (2010). But since I love revenge stories, I could easily find myself in those remakes – while I still love the originals.

The landscape is diverse and we have to understand the films instead of judge them. Some remakes are for us. Some aren’t. The originals live forever.

Horror and Politics.

Novembro 27, 2016

Nazi Cinema never produced a horror film. Soviet Cinema only slightly touched the genre in one film – VIY (1967) – that only escaped the censors because it was adapted from an old folktale. Why? Because totalitarian regimes will hate any genre that will tell its people that there is no utopia. It’s harder to keep the people under control when you tell stories where horrible things happen to innocent people. It’s harder for the regime to justify its actions when horror stories tell you that the universe is chaos.

Through their existence, horror films have told us that the most gorgeous people get slaughtered by horrible monsters. The political undertone in so many horror films is clear: we are all alone and help is not coming.

Film trailers, many times, summarize the whole idea of a film in order to attract its target audiences. Eli Roth’s THE GREEN INFERNO (2013) had this very effective trailer.

The trailer is amazing because it clearly shows one of the essences of the horror genre: a disparity between how we think things are (or would like them to be) and the way things really are. It’s the same issue author Robert Bloch nailed when he says “horror is the removal of masks”. Sometimes we are the ones taking off the masks. Other times it is the entire universe taking off its mask.

Poor gringos. They left the comfort of their country (the comfort of free market economy) and went to the Amazon jungle to fight for a cause (and change the world). Well, expect the world to fight back.

Of course the political orientation is irrelevant to the genre. Instead of young dreamers, the film could be about a ruthless real estate developer trying to build a hotel in the middle of the jungle. Well, expect the jungle to fight back too.

The lesson here is this: horror is subversive. It will always throw a couple of “what ifs” that will make you question the powers that be. So the tightest the regime is and the more authoritarian the leader is, the more unwelcome the horror genre is. Other genres merely like to start discussions. Horror usually ends them.

That is why the horror genre is essential. We should support it, celebrate it and respect it as a fundamental contributor to our sanity.

Which Zombie Type You’ll Have in Your Film?

Novembro 5, 2016

Here’s something to consider when you start thinking of making a zombie film: it’s been 48 years since the great George A. Romero made his seminal NIGHT OF THE LIVING DEAD (1968) and the zombie genre has given us many classic films. As the genre evolved, many types of zombies began to be used in very different films. Here is just a small list to help you understand the pros and cons of writing for one type or the other and help you decide what are the attributes that better fit your zombies and your story.


Yes, of course. This is the classic zombie made famous by Mr. Romero – and for years the only zombies around. In a nutshell, these zombies are dead corpses who were reanimated through some process. We can subdivide this group according to the what and why. What type or reanimated corpses? Recently deceased like RE-ANIMATOR (1985) and NIGHT OF THE LIVING DEAD (1968) or the long-dead putrefying masses of dead flesh like BURIAL GROUND (1981)? And why were they reanimated? Perhaps a chemical origin, like in THE RETURN OF THE LIVING DEAD (1985) or a pure supernatural reason like CHILDREN SHOULDN’T PLAY WITH DEAD THINGS (1972) and DEAD SNOW (2009) ? Regardless of your answer, these zombies were indeed dead people before they were reanimated and they look just like it!


Pros: usually these are the scariest zombies, since most audiences are truly scared by death and corpses.

Cons: The cost of making a film with these zombies has gone way up since THE WALKING dead started spending big money in its makeup department. This means that the audience nowadays expects elaborate and shocking zombie makeups, a clear contrast with the next type:


These zombies are rare these days. We could see them in the early Romero films like NIGHT OF THE LIVING DEAD and DAWN OF THE DEAD (1978). They are dead people just like in the previous type. However, the level of makeup on them is kept at a minimum that sometimes derails into a simple green face. Of course we love those classic films, but we have to admit that such makeup job would be unacceptable by today’s standards.


Pros: cheap to produce, these zombies can be a matter of personal taste. Also great when far from the camera.

Cons: since the 80’s zombie makeup has evolved a lot. THE WALKING DEAD brought the zombie makeup into state of the Art. Now this type of zombie is just a sign of a no-budget film. That in itself is not a bad thing at all. THE BATTERY (2012) mixes several minimalist zombie makeups with tremendous success.


Contrary to the above, these zombies are not dead. They are sick people who simply transition from healthy to infected to zombie. The time may vary from infection to full zombie. 28 DAYS LATER (2002) is a great example: it just takes seconds. RESIDENT EVIL (2002) tries to walk between the dead and the sick: we know it’s the T-virus alright, but there is a brief moment of inactivity the audience perceives as death. In PONTYPOOL (2008), the virus spread through language!


Pros: in the age of AIDS, Ebola and so many deadly epidemics, this is a very contemporary zombie type that pleases many audiences.

Cons: they have been a bit overused. By now, the “virus” with a strange, enigmatic name (in the air or contained inside some sophisticated glass work) that turns people into zombies has became a huge cliché. This means you have to bring some clever ideas if you want to go with these.


These zombies are kinda annoying. They can jump over anything and crawl on walls and ceilings like in the  remake-in-title-only DAY OF THE DEAD (2008). The problem here is that these zombies defy reality and easily become unbelievable. The strange zombies in I AM LEGEND (2007) also fall here.


Pros: perhaps the deadliest of all zombies. You can amp the stakes whenever your protagonist meets one of those. Or 200.

Cons: they are mostly unbelievable and signal a poorly written or sloppy script.


These are truly rare to see, but with lots of potential if you manage to create a great story from them. These zombies are simply people who were dead, but came back in perfect replicas of themselves just like they were when alive. Yuck factor = zero here. However, these zombies can be disturbing and eerie. This is the case with the French film THEY CAME BACK (2004) and the much better series made by the same filmmakers THE RETURNED (2012). Again, no flesh-eating zombies here, but plenty of space for great ideas and innovations in the genre.


Pros: there is limitless potential in these very rare and strange zombies, since they tap into a more complex and highly emotional horror.

Cons: how do you keep the interest of your horror audience and create a horror story out of this? It is very possible, but very hard – and the horror you can create here will not fall in the usual zombie brackets. The potential is there, but this type of project needs a lot of development and imagination.


Just like the sick zombies, these have also a  relatively clear origin: something alien. At times it keeps a straight face like in LIFEFORCE (1985) where a group of life-energy-sucking-space-vampires manage to turn Londoners into zombies. Other times it goes for a lighter comedic tone like in NIGHT OF THE CREEPS (1985) where parasitic space slugs turn their hosts into zombies. This type of zombie usually mixes horror and sci-fi with mixed results.


Pros: the sci-fi part can help the writer create some amazing new setups that can be quite inventive. Plus, you can create zombies that can be more that the basic flesh eating beasts.

Cons: sometimes audiences feel confused and frustrated due to some genre/tone fluctuation if at times it goes all the way to horror or to sci-fi, to seriousness or comedy.


These zombies exist in combination with a different monster. Vampires are a common choice. Bob Clark’s DEATHDREAM (1974) is a great example: a soldier who died in Vietnam comes home but needs blood to survive. Or he will fall apart. Here the main character walks a fine line between a zombie and a vampire. But there are more extreme versions like the Lickers we see in the RESIDENT EVIL series: larger monstrosities that can be very dangerous.


Pros: visually, they can be quite arresting. Strong, violent and deadly. If you want to create something over the top, maybe you should consider working here.

Cons: they cost more to produce than the regular zombies IF you want to go the RESIDENT EVIL way. Plus, they may lose some scare power since those zombies tend to lose some human familiarity.


These zombies can talk and do things just like we do. They can exist under a ghost form like in PET SEMATARY (1989) and AN AMERICAN WEREWOLF IN LONDON (1981) or they can be real, functioning (although still very evil) beings like in NIGHT OF THE COMET (1984). They can get as close to a living person as possible just to get what they want. Like Rachel Creed in (again) PET SEMATARY and the zombie who says “send more cops” in THE RETURN OF THE LIVING DEAD. And let’s not forget Ben in HOUSE (1986).


Pros: a screenwriter can create memorable zombies here, since they often breathe a fresher look into the protagonist’s situation – not to mention some poignant commentary on what is is to be alive or dead.

Cons: those are not the usual zombies and may give the writer a tougher time finding the right story. Some audiences may prefer a more classic approach as they may still favor more flesh-eating and less talking.


The good thing when you are writing a zombie story (on prose or screenplay) is that there are so many ways you can combine those types and so many other degrees and qualities you can add. Zombies do not have to be a boring monster. They can be really a great horror element if you devote some time thinking about what works best in your premise.

INNER GHOSTS: notas sobre um development.

Novembro 4, 2014

É um prazer poder anunciar que INNER GHOSTS acaba de entrar em produção.

INNER GHOSTS será o nosso primeiro projecto a ser produzido e promete nos dar montes de trabalho nos próximos meses. Se tudo correr bem, Portugal irá adicionar mais uma longa-metragem de terror à sua quase inexistente lista de obras do género lá para o terceiro trimestre de 2015. Mas aquilo que as pessoas não sabem é que INNER GHOSTS tem estado em desenvolvimento há já bastante tempo.

INNER GHOSTS international poster 1

O projecto começou a ser escrito em finais de 2012 sob o título provisório RED PARTY. Acontece que ao longo das várias versões do argumento (vamos na 19ª) o título foi progressivamente deixando de fazer sentido. Elementos essenciais como o plot, o número e o perfil das personagens foram mudando muito de versão para versão. Aliás, poderíamos fazer dois filmes radicalmente distintos a partir da 2ª e da 12ª versões e ninguém diria que ambas são versões do mesmo projecto.

Foi muito recentemente que INNER GHOSTS passou a ser o título mais adequado – isto após longas sessões de brainstorming que descambavam sempre para títulos malucos (era o cansaço já às três da manhã). Mas isto apenas nos serviu para chamar a atenção para a extrema importância de ter um título adequado ao projecto o quanto antes. Ou dito de outra forma, pode ser danoso para o projecto mudar de título já depois da filmagem ou antes do lançamento. Se precisamos mudar de título pelo facto do primeiro já não fazer sentido temos de fazê-lo já.

INNER GHOSTS é perfeito! 🙂

Pelo caminho seguido ao longo das várias versões do guião, ficaram muitas ideias, cenas e efeitos que foram sendo substituídas. Mas o processo de reescrita é longo e fértil se pensarmos que a cada versão, o guião ia ficando cada vez melhor, mais claro e coerente – e as suas forças mais polidas e evidentes.

Aliás, acerca da reescrita, uma coisa fomos aprendendo com o tempo: reescrever pode parecer difícil. No entanto, a dificuldade é apenas inicial. Assim que começamos a sentir que o projecto vai naturalmente encontrando a sua “verdade”, passamos de uma versão para a próxima sabendo que não há volta a dar: cada versão será melhor que a anterior. “Nesta versão, o problema X ainda lá está. A prioridade da próxima versão será resolvê-lo”. Tem sido assim com todos os guiões que temos desenvolvido nestes anos em que estamos a funcionar.

Ao longo do processo, várias pessoas foram lendo aquilo que ia sendo escrito: sales agents, distribuidores estrangeiros e profissionais amigos que fazem parte do nosso círculo de confiança. Estas pessoas são a nossa rede de “trusted feedback” constituída por profissionais que gostam do género, que nele trabalham e que estão em permanente contacto com aquilo que está a chegar ao mercado. Sem o feedback delas, provavelmente não teríamos encontrado algumas das melhores soluções que encontrámos ao longo do processo.

Por fim, temos de agradecer às pessoas que têm acreditado no nosso trabalho. Agradecemos a paciência com a qual ouviram inúmeras vezes o nosso “o guião ainda não está como queremos”. Agora está. 🙂

A página do INNER GHOSTS no Facebook é

A Cidade dos Livros.

Agosto 24, 2014

De visita à Portland, Oregon, estivemos na Powell’s Books, ou como é chamada, a Powell’s City of Books – aquela que é considerada a maior livraria independente de livros novos e usados do mundo. Trata-se de um lugar impressionante, com milhões de volumes todos para venda num espaço lindo de mais de 6000 metros quadrados.

Powell's City of Books

Uma olhada no mapa poupa tempo.

A primeira coisa que chamou a nossa atenção foi o facto de – ao contrário do que acontece nas livrarias de Lisboa – o espaço ser frequentado por muita gente. E de todas as idades. Aliás, a primeira impressão não foi a estarmos numa livraria, mas sim numa loja que vende conhecimento. Ou talvez melhor ainda: experiências criativas.

A “cidade” está dividida em salas e pisos cuidadosamente organizados, onde o cliente encontra-se facilmente cercado daquilo que lhe interessa. Poesia, romances, ciências, banda desenhada, livros raros, tudo lá está representado. Autores contemporâneos chineses? Sim. Softcore erotic pulp dos anos 60? Sim.

Cthulhu Avenue :-)

Cthulhu Avenue 🙂

Mas o espaço possui três secções verdadeiramente imbatíveis que nos interessam particularmente: banda desenhada, horror e ficção científica. Basta ir até a Avenida Cthulhu (e corredores próximos) e fica-se prisioneiro de qualquer coisa imperdível. E como não podia deixar de ser, o staff é composto por gente que sabe o que está a vender. Basta olhar casualmente para qualquer prateleira e apanha-se logo um “staff’s pick” onde alguém explica o motivo pelo qual devemos arriscar uma obra ou outra. Na secção de banda desenhada, há uma parte inteiramente dedicada às obras banidas e censuradas, onde se explica onde a obra foi banida e o porquê. Fascinante!

A secção de livros de Cinema é outra jóia, com livros sobre todos os temas possíveis. Os preços? Bastante acessíveis se optarmos por versões usadas (que em quase nada diferem das versões novas). Incrível.

A secção de livros de cinema possui um corredor sem fim.

A secção de livros de cinema possui milhares de títulos.

A Powell’s é uma livraria inteiramente situada no século XXI, que percebeu que o seu negócio não é simplesmente “vender livros”. O seu negócio é vender-se a si própria como um lugar onde temos vontade de estar horas e horas a procura daquilo que queremos – até encontrarmos. 🙂 E mesmo que não estejamos a procura de algo, algo irá nos encontrar. 🙂 É impossível sair-se da loja de mãos vazias.

Temos muito a aprender em espaços como este.

O Evento que Mudou o Cinema de Terror Foi Há 45 Anos.

Agosto 8, 2014

Foi há precisamente 45 anos que a linda Sharon Tate, esposa de Roman Polanski, foi brutalmente assassinada na companhia de amigos, a mando de um tal Charles Manson. O crime que mais tarde se chamaria “The Tate-LaBianca Murders” foi um dos momentos mais marcantes da segunda metade do século XX, pois não poderia haver uma forma PIOR de fechar os anos 60, a “Era de Aquário”, o “Paz e Amor”, o “Summer of Love” e todas aquelas coisas que nos vêm à cabeça quando pensamos naquela década.

A relevância dos crimes possui várias dimensões – todas com impacto claro no cinema de terror que se passou a fazer a seguir. Mas por que motivo estes eventos foram tão decisivos? Este post tentará explicar alguns.


É preciso perceber que os serial killers nunca foram uma coisa nova (e antes que os leitores mais conhecedores venham dizer que Charles Manson – ou os crimes em causa – têm pouco a ver com a classificação de “serial killer“, descansem e continuem a ler) e que já há muito faziam parte do universo dos filmes. THE BOSTON STRANGLER (1968) de Richard Fleischer é um excelente exemplo: um filme que narra os assassinatos cometidos por Albert DeSalvo. PSYCHO de Alfred Hitchcock e PEEPING TOM de Michael Powell (ambos de 1960) são apenas os exemplos mais sonantes que mostram como o cinema já há muito se apaixonara pelos serial killers. Ora, qual é a mudança operada pelo assassinato de Sharon Tate?

Se olharmos bem para os filmes citados, temos de admitir que eles não estão 100% dentro do cinema de terror da mesma forma que NIGHT OF THE LIVING DEAD (1968) de George A. Romero, THE HAUNTING (1963) de Robert Wise ou ROSEMARY’S BABY (1968) estão. O universo dos serial killers (mais ou menos sórdido do ponto de vista visual) no cinema sempre esteve mais próximo do género Policial mais ou menos violento, com mais ou menos drama, mais ou menos tenso – mas quase sempre Policial.

Ora, o assassinato de Sharon Tate traz algo de diferente. Não se tratavam de vítimas anónimas (donas de casa, adolescentes ou prostitutas que raramente inspiram curiosidade pública – quem é que sabe o nome de algum vítima do Albert DeSalvo ou do Ted Bundy?). Pelo contrário, aqui tratava-se da realeza de Hollywood: uma starlet absolutamente linda, em clara ascensão, hiper-publicitada e querida; casada com um realizador do momento. No meio, estava ainda uma herdeira milionária (Abigail Folger) e mais algumas pessoas do meio cinematográfico.

Mas mais do que isto, Manson não estava preocupado apenas com a quantidade de assassinatos, mas sim com a qualidade dos mesmos enquanto espetáculo. Ele sabia muito bem que na época em que estava, mais do que matar, era preciso chocar – e quem conhece o aftermath (o livro HELTER SKELTER (1974) editado pelo procurador Vincent Bugliosi continua a ser uma referência no assunto) facilmente admite que a “Família” Manson deu ao público meses e meses de choques consecutivos.

Charles Manson muda o conceito de “monstro-estrela” – algo que até a época, no cinema, pertencia apenas a criaturas de fora da realidade (Drácula, Godzilla, fantasmas, etc.). Manson traz para dentro deste conceito o homem comum, banal e quase invisível, mas capaz de coisas muito piores do que qualquer outro monstro da Universal.

A evolução do género terror nos anos 70 tomou o curso que tomou porque em grande parte Charles Manson mostrou ao Cinema tudo aquilo que este levaria anos a perceber: a) como a violência pode ser espetacular, b) como os assassinos podem se transformar em personagens ainda mais atraentes do que os heróis, c) o quão gostamos de ver beleza, juventude e inocência serem amoralmente destruídas e d) o quão negra é a escuridão num país de luzes tão intensas. Manson mostrou ao cinema o quanto gostamos de estimular a nossa curiosidade pelo mórbido. O mundo pode ter criado os serial killers, mas Charles Manson criou os slashers.

leatherface family

THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE (1974) de Tobe Hooper, CANNIBAL HOLOCAUST (1980) de Ruggero Deodato e FRIDAY THE 13TH (1980) de Sean S. Cunningham jamais teriam sido possíveis sem Charles Manson. Leatherface (que também possuía a sua “família”), Michael Myers, Jason Voorhees e Freddy Krueger (só para citar os mais conhecidos) somente são espectaculares porque Charles Manson foi espectacular. E eles não morrem também porque ano após ano Charles Manson continua a regressar – já não como um assassino, mas como mito. Seria difícil tentar perceber quem tem mais fãs: se Manson ou Leatherface. Chega a ser muito interessante o facto de que, ao contrário dos assassinos da ficção, Manson não matou (pelas suas próprias mão, isto é) nenhuma das vítimas que o tornaram célebre – a mostrar como o cinema é eficaz a simplificar o complexo e a corrigir as eventuais subtilezas da realidade que não caibam em 90 minutos.

Este post não tem como objectivo engrandecer a figura de Charles Manson ou perdoar/justificar os seus actos. Muito pelo contrário, é mais do que óbvio que o conjunto de horrores e vidas destruídas por aquele grupo de pessoas será sempre algo a lamentar. Mas a História é composta em igual medida pelos bons e pelos maus; e no cinema de terror, a partir de 1970, Manson, seus seguidores, seus actos e vítimas tiveram um impacto claro. Elas mostraram ao cinema alguns dos nossos maiores medos enquanto sociedade: a aleatoriedade do Mal, da violência, a escuridão possível no interior de cada desconhecido e a forma como estas coisas nos atraem – coisas que 45 anos depois continuam profundamente contemporâneas.

Rolling stone bomber

Amazing Strange Shapes.

Agosto 5, 2014

Strange Shapes é um blog magnífico dedicado aos filmes ALIEN (1979), PROMETHEUS (2012) de Ridley Scott, ALIENS (1986) de James Cameron e ALIEN3 (1992) de David Fincher. O blog possui um pouco de tudo: memorabilia, entrevistas, bastidores e imagens imperdíveis.

Valaquen é o criador do blog – um escocês que, como ele próprio conta, teve o seu primeiro contacto com o universo através de uma cópia em VHS do ALIENS. A paixão só cresceu desde emtão. Sorte nossa. 🙂


Deliverables 101: Como produzir boas fotos de cena.

Agosto 4, 2014

Abrimos uma revista ou consultamos um site sobre cinema e encontramos fotos de cena do filme que queremos ver. Podemos nem prestar muita atenção. No entanto, uma parte do nosso desejo de ver um filme está directamente relacionada com a existência de bons materiais de promoção.

As “Publicity Photos” são parte essencial daquilo que se chamam os “Deliverables” – ou seja, um conjunto de objectos que o produtor deve entregar ao sales agent (ou ao distribuidor) junto com o filme pronto. Quem possui prática de Produção sabe que, na prática, a produção de “Deliverables” é tão importante quanto o próprio filme – ou dito de outra forma, uma boa Produção dará origem a um bom filme que naturalmente terá sempre “Deliverables” de qualidade. Podemos fazer um excelente filme sem “Deliverables”? É possível. Mas se tal acontecer o filme jamais será distribuído – pois os “Deliverables” são essenciais à distribuição do filme. Podemos produzir os “Deliverables” a posteriori? Sim. Mas não serão tão completos nem custarão o mesmo.

Da enorme lista de “Deliverables” as “Publicity Photos” são um exemplo de algo que NUNCA pode ficar para depois, sob o risco de não poderem fazer pelo filme tudo aquilo que por ele podem fazer.

Se quisermos ser exaustivos, estas fotos podem ser divididas nas seguintes categorias:

  1. Screenshots (fotos de cena).
  2. Crew and behind the scenes.
  3. Director and talent.
  4. Characters.

1 – Screenshots são o tipo mais comum de “Publicity Photos”. São aquilo que vemos na maior parte das revistas e websites. Elas retratam cenas do filme com o objectivo de dar ao espectador uma amostra das imagens que o filme possui. No entanto, algumas pessoas pensam que estas fotos são a) planos retirados do filme ou b) representações fidedignas daquilo que a câmara filmou (tão iguais quanto possível aos planos do filme).

No que diz respeito à MAIORIA dos filmes, ambas as suposições estão erradas.

A utilização das fotos de cena em revistas, websites, posters e outros materiais gráficos de diversos tamanhos e com diversas qualidades exigem VERSATILIDADE às fotos produzidas. Isto significa que um fotograma (em 35mm) ou a captura do mesmo (se Digital) num computador raramente resulta em fotografias que podem ser ampliadas em posters ou em impressões de qualidade. Deste ponto de vista, retirar imagens do próprio filme raramente é uma boa opção. Algumas pessoas podem argumentar que se um fotograma serve para ser ampliado no ecrã, então certamente que servirá para uma revista. Mas aqui, é preciso compreender que no ecrã, o espectador está a ver a imagem em movimento, com som e imerso na narrativa. Diante do mesmo fotograma numa revista, entretanto, nenhum destes elementos  se verifica e as limitações do médium saltam à vista com maior facilidade. Mas pior do que isto: numa revista ou num website, JÁ VIMOS outras fotografias publicitárias que condicionam a nossa percepção e expectativa – e se não tomamos cuidado, naturalmente as fotos do nosso filme parecerão muito desinteressantes.

É por esta razão que Hollywood NUNCA retira fotos directamente dos filmes, preferindo SEMPRE pagar fotógrafos especializados que irão produzir fotografias de grande resolução, qualidade e em grande número especificamente DESTINADAS a outros fins.

É preciso perceber que a fotografia de um filme nem sempre é a ideal quando se trata da sua reprodução em média impressa. Neste caso, ter um fotógrafo dedicado pode ajudar a Produção a fornecer imagens pensadas especificamente para este fim. DANGEROUS LIAISONS (1988) fornece-nos um bom exemplo. Mesmo as diferenças de enquadramento possuem funções distintas: no filme, estamos centrados sobre aquilo que personagem diz (e ver o serviço de chá seria uma distracção). Na foto de cena não há som e procura-se um enquadramento onde se possa mostrar mais valor (e o lindo serviço de chá já faz mais sentido nas mãos da estrela). Luz e cor também não são iguais, pondo sempre ênfase nos valores de produção do filme: estrelas, art direction, etc.


Não se trata JAMAIS aqui de comparar qual a melhor fotografia (se é a do director de fotografia ou a do fotógrafo de cena). Trata-se apenas de perceber qual o destino e a função de cada uma delas na vida comercial do filme – até porque elas JAMAIS serão consumidas ao mesmo tempo nem nas mesmas condições.

Outro mito é aquele que diz que as fotos de cena devem reproduzir aquilo que a câmara vê para dar ao espectador uma representação fidedigna do que se verá no filme. Ora, embora esta ideia seja TEORICAMENTE verdade, na prática, nem sempre os planos de câmara são aqueles que melhor representam a cena em causa ou o filme no seu todo. Os planos da câmara são, muitas vezes, pensados em função da montagem; em função daquilo que o espectador JÁ VIU ao longo do filme e – logo – não foram pensados para serem utilizados em avulso NEM para serem vistos por alguém que ainda não começou a ver o filme (logo, pode não dispor das informações contidas nos planos ou cenas anteriores do filme). Deste ponto de vista, torna-se FUNDAMENTAL garantir que se obtêm fotografias que, EM AVULSO,  melhor representam a totalidade da cena e/ou do filme. FRANTIC (1988) fornece um bom exemplo: a melhor foto de cena do filme pertence a um plano que NÃO está no filme:

frantic plate 1

A foto de cena utilizada comunica tensão, perigo e (para quem ainda não viu o filme) mostra o maior valor de produção: as estrelas – que aqui aparecem de frente para a câmara. A foto põe ainda em evidência um elemento central da narrativa: o objecto que todos procuram. O plano que está no filme somente faz sentido durante o visionamento do mesmo. Em avulso, não funciona tão bem porque não mostra sequer a cara do Harrison Ford nem é tão claro quanto aquilo que as personagens estão a tentar fazer. É um facto que a foto de cena não faz parte do filme… mas é inegável que ela representa a cena e o filme melhor do que uma foto que estivesse presa àquilo que a câmara vê.

E a foto de cena, mesmo sem fazer parte do filme, é tão boa que é largamente utilizada para representá-lo. Basta ver o destaque que ela possui em pelo menos duas versões do filme em home video.

frantic plate 2

Nestas coisas, é preciso reconhecer que mais do que mostrar o filme, as fotos de cena VENDEM o filme. E para que o façam, elas têm de (quando necessário) ultrapassar a simples planificação, resumindo tudo o que o filme possui de bom numa única imagem. Manter as fotos de cena presas à câmara é um dogma que raramente faz sentido.

Do mesmo filme, outro exemplo que mostra como a foto de cena possui uma função TOTALMENTE diferente da planificação original:

Frantic Blue

Na cena ANTERIOR, o Dr. Richard Walker encontra uma caixa de fósforos com publicidade ao bar “Blue Parrot”.  Logo, na cena seguinte, (foto da esquerda, acima) a ênfase é fazer a ligação entre o bar na caixa de fósforos e chegada do Dr. Walker ao referido bar (representado pelo letreiro neon). É por esta razão que vemos o taxi e o letreiro com o papagaio em evidência (a presença da personagem é óbvia, logo não necessita de estar em evidência – a cena é uma mera passagem). Já na foto de cena, trata-se do contrário: quem ainda não viu o filme não sabe da caixa de fósforos (logo a ligação espacial entre as cenas não existe). Desta forma aquilo que no filme é uma mera cena de passagem (o Dr. Walker a chegar ao bar publicitado na caixa de fósforos) transforma-se numa foto de cena magnífica com a personagem/estrela em grande evidência. Como é possível que um plano “menor” se transforme numa das principais fotos de cena do filme? (Ver capa de DVD cima.)  Simples: basta estar atento à funções diferentes entre um plano no filme e fora do filme.

Imagine que a câmara mostra um casal que se beija a 50 metros de distância. Nos planos anteriores o espectador viu os actores e as personagens (antes do beijo). Não faz sentido que uma foto de cena do beijo mantenha a mesmo plano, muito afastado, feito pela câmara (que numa revista vai reduzir o casal a uma minúscula mancha). Uma foto de cena que se aproxime mais dos actores não faz parte da planificação. Porém, a produção, a cena, os actores e a própria dramaturgia certamente estarão melhor representadas e vendidas para quem ainda não viu o filme.

2 – As fotos de equipa e os “behind the scenes” serão mais ou menos interessantes conforme o tipo de filme em causa. Mas a importância e a utilidade destas fotos enquanto “Deliverables” jamais devem ser subestimadas. Num filme onde os efeitos especiais são parte essencial do mesmo (sejam eles simples ou complexos), captar imagens que revelam o “como foi feito” provoca sempre o interesse do público e da imprensa mais especializada (impressa ou online). Mais: elas mostram o investimento técnico e criativo presentes no filme – dando ao Produtor argumentos a mais que podem influenciar (para cima) o valor de compra do filme junto dos distribuidores. Se o filme for uma co-produção, as fotos de equipa PODEM ser relevantes para documentar (graficamente) as diferentes nacionalidades a trabalhar em conjunto na criação de mais-valias para o projecto. Elas são boas ferramentas de relações públicas junto de financiadores públicos que normalmente se preocupam muito com estas questões.

Fotos deste calibre terão divulgação garantida pois põem em evidência o investimento feito pela Produção – que se traduz em valores de produção inegáveis:

Alien behind

Noutros casos, quando o filme realmente é bom, elas nem necessitam se ser espectaculares:

shining steady

Por vezes elas dão ao espectador pontos de vista que automaticamente despertam a curiosidade:

shining behind

Stanley Kubrick era brilhante TAMBÉM por ter a perfeita noção de que fotos de “behind the scenes” de qualidade e em quantidade mantêm um filme “aceso” na cabeça das pessoas. E a verdade é que mais de 30 anos depois da estreia de THE SHINING (1980), ainda vão surgindo fotos inéditas – todas elas excelentes ao “estender” o nosso olhar sobre a produção. Poucos filmes se dão a este luxo.

shining behind 2

3 – Fotos do realizador e dos actores (talent) são sempre importantes, pois põem em evidência o trabalho criativo e os valores de produção do projecto. O realizador deve ser fotografado sob vários contextos. O mais comum é durante a rodagem (abaixo) sozinho a trabalhar:


Ou a interagir com os actores:

cronenberg dangerous-method-cronenberg

Ou “imerso” na narrativa em questão, conferindo-lhe um cunho pessoal e autoral:


Ou para utilização em catálogos e imprensa especializada:


David Cronenberg é, aliás, um realizador extremamente ciente da importância de ser fotografado nos mais diferentes contextos – preocupação que é visível desde o início da sua carreira:

cronenberg young

4 – Fotografias das personagens são extremamente valiosas independentemente das fotos fazerem ou não parte do filme (tal como já foi explicado no que diz respeito às fotos de cena). A foto abaixo, fornecida pela Produção do filme ORLANDO (1992) NÃO está no filme. No entanto, é lindíssima na mesma e faz todo o sentido ao oferecer sobre a personagem MAIS do que aquilo que está no filme:


Aliás, a foto é tão boa que foi utilizada, anos depois, para relançamento do filme:


Ou como “tie in” – neste caso o próprio livro da Virginia Woolf:

orlando book

Noutros casos, as personagens são retiradas das cenas e fotografadas em conjunto. No exemplo abaixo, retirado do filme WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN (2011), a personagem Eva (Tilda Swinton) é fotografada ao lado do filho Kevin ao longo de todas as idades retratadas no filme (coisa que na ficção – linear – não acontece). Esta é uma forma extremamente criativa de divulgar o projecto:


Se voltarmos ao FRANTIC, temos ainda outro exemplo das personagens numa interpelação directa ao espectador:

Frantic zadh

Já esta imagem, que funciona muito bem, foi retirada de uma cena que não está no filme:

Frantic wrgt

Esta, que também não está no filme

frantic dghdgh

Este post pretende chamar a atenção para a importância de pensar a vida promocional do filme (incluindo TODOS os elementos que o constituem) com o cuidado e a antecedência que ela merece. O descuido em relação a estas questões comerciais pagam-se caro na medida em que as relações entre produtor, distribuidor, filme e espectadores sofrerão invariavelmente. E neste aspecto, possuir uma estratégia de comunicação visual AUTÓNOMA do filme, especificamente orientada para a venda e comercialização podem fazer a diferença – ainda mais quando se está a trabalhar fora do universo financeiramente musculado de Hollywood. Em muitos casos, o Produtor independente pode possuir “Deliverables” de grande qualidade, bastando para tal, dedicar alguma reflexão sobre o porquê destas coisas. 🙂

RED PARTY Casting Call #1.

Junho 4, 2014

Enquanto damos os toques finais para o arranque da pré-produção da primeira longa-metragem de terror do João Alves – RED PARTY – é chegada a altura de começar com o trabalho de casting. Ao longo das próximas semanas, vamos fazer vários convites a actores e actrizes (estrangeiros e portugueses) para que os possamos conhecer e ir compondo o nosso package. Este é o primeiro.


Para este primeiro convite estamos a procura de actrizes e actores naturais de língua inglesa (britânicos, americanos, etc.) para um conjunto de papéis muito especiais no nosso argumento. Procuramos pessoas de ambos os sexos e que residam na zona de Lisboa e arredores. A idade não é importante. A experiência é algo preferível mas jamais será por si só um factor de exclusão.

Neste sentido, gostaríamos que as pessoas interessadas nos enviassem um e-mail para com a informação habitual: algumas fotos, um showreel, um currículo curto e os respectivos contactos.

Why don’t you give it a try! 🙂

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